《红艺术》：你个人对学院艺术和职业艺术是怎么看待的？
李鹤：从当下的艺术环境看，我觉得作为一个学院的艺术家跟职业的艺术家不同的地方主要有两点。一个是从生存环境来说，相对于职业的艺术家可能会相对稳定一些、安静一些，至少不会为生计奔波。二是因为长期生活工作在学院的环境下，教学相长，受自身对雕塑本体语言的追求的影响，所以在雕塑的表现手法上一直都是在追求一种雕塑本质的东西。这也是我们一直所不愿放弃的，因为这个本身也是一个比较传统和相当难的课题。
现在雕塑的范畴已经相当的扩大化，可以说现在的雕塑艺术已经不像传统的那么纯粹了，比如很多材料的转化、观念的融入、装置加影像的创作等等，雕塑的概念现在已经变的很模糊，它的定义已经被无限的扩大化，并且现在许多从事其他艺术门类的人也纷纷加入到这个行业中来。但不管怎样，我觉得对于学院艺术来说还是有它存在的价值，你不能说现在的雕塑艺术已经完全发展成为一种功利性、快餐式的文化，而且现在也逐渐影响到美术学院里，不能说这就是一种不好的现象，我个人觉得也不是什么坏事情，因为艺术毕竟是要向前发展的，以后具体能发展成什么样子，谁也不会知道。虽然大家都面临着生存这么现实的问题，现在越来越多的学生毕业后面临的首要问题就是生存，不会像我们那个时代，优秀一点的就会留到大学做老师，现在更多的毕业生毕业后直接面对的就是社会，很残酷也很现实。必须要做作品，必须要进入市场，换来艺术品的商品化、货币化。有时候我也觉得在对待这些问题上，肯定是不同的人有不同的看法，因为每一个人考虑问题的出发点都不一样。
《红艺术》：你个人是怎么做的？
李：对于我个人来说我不必因生计而放弃一些个人喜欢的东西，也可以这样说不会为了生存而背弃自己的追求，为了利益而去做迎合市场的品味的作品，而放弃真我。
《红艺术》：艺术的真实性又是什么？
李：我认为艺术中的真实的东西就是要不委屈自己，做到能够如实反映你个人真实的艺术观念和想法就可以了，只要是你个人的真实的东西，，剥离杂念，放射你的纯真。
《红艺术》：艺术家的创作会不会太过于个性化？
李：艺术注定是要个性化的。即便我作为一个美术学院的老师，但是我不希望自己教出来的学生都是像一个模子倒出来的，跟我一样的风格。老师要做的就是来引导和启发自己的学生。如果你能把学生教到一个学生一个样子，而且个个出类拔粹，那你就称得上是一位极品老师。
《红艺术》：对于别人对你作品的看法你是怎么回应的？
李：我们就举一个例子，有的人说我，最近的作品《东方红·忠》系列作品是不是有些赶潮流和功利性的心理，其实我的这些作品在我上研究生的时候就想做了，但当时在构思的时候，因为王广义等前辈他们也在做“红卫兵”等红色题材的作品，所以想是不是我做了也就有一点抄袭的嫌疑，所以一直没有做，等到毕业之后，确切地说是在留校任教之后很多年等到这一股潮流都吹过去之后，甚至可是说是大家都玩完了之后，我才做的。其实我还有一个想法就是想用雕塑艺术的形式把“东方红”整个红色舞蹈史诗系列主题全都表现出来。因为本人对这种纯真的舞蹈特别感兴趣，这与我个人所追求的比较纯真的、比较安静和原本的东西是相一致的。
《红艺术》：现在很多艺术家追求的就是张扬和个性，在你的雕塑创作中你是怎么样把握这些方面的？
李：对于我个人来说环境和潮流对我的影响不大，像我们这一批人，李占洋、蔡志松算是比较成功的，但是大部人还是在默默地研究和创作，比较内敛，无论是在外表还是其它的地方都较含蓄。我也是这样，很多艺术家的艺术创作和外表差距是很大的，虽然看我的外表很凶狠，是一个脾气很火爆的人，但是我在做东西时候比较安静。我个人不太喜欢，那种个性很张扬却华而不实的东西。如果从整个雕塑史来看一下真正称得上是大师的雕塑家在雕塑创作上都是很内敛的，就是很内秀的，张扬偶尔也只是积聚的情绪偶尔地震一下。
实际上现在我们来看一看798里面的当代雕塑，非专业的、专业的，真的、假的，好看的、不好看的……很多不是专业的人员跟大多数观者和我们这些专业从事雕塑创作的人相比，视角肯定是不一样的。大部分观众都是以一种新奇特的视角来看雕塑，而在我们看来无论你是怎么样表现或者怎么样的张扬，我们都会不自觉的体会“根”上的东西，观念之外塑造的东西都会从你雕塑作品的本质中流露出来，所以我的创作是基于个人的观念、思维、底线，不迷失，追求纯净、真我。
可以这么说现在社会上真正懂得欣赏雕塑的人根本就不多，真正研究过的人也不多，大多数人都还局限于表面，现在很多雕塑作品，从真正意义上的雕塑本体来说，就是哗众取宠的、虚伪的。
《红艺术》：那雕塑本体的东西又指什么呢？
李：雕塑本体的东西在我看来如果非要是用一个具体的语言来描述的话，可以说是一种追求观念理解和塑造的东西，就是一种在创作中塑造真实的痕迹，塑造的概念是很广的，在雕塑里面你如何去塑造就要看你自己是怎么样理解、认识和把握的，在雕塑艺术中我觉得这种塑造的感觉要是用言语来表达又是很困难的，就是一种在观念、认识和塑造本体表现得都很有张力的东西，现在更多的是强调观念传达和表现形式，就像现代和后现代艺术一样，界限既模糊又圆盾。我想，艺术走到今天还是会轮回的，她就像是一个循环的系统。而艺术最终还是要回归本质。
《红艺术》：那你觉得艺术创作最终还是会走向理性？
李：当然。我认为当下就是一个大淘沙的时代，无论你是露头的还是藏匿的、出来的还是没出来的，大家都是在这种环境中跳来跳去，总会有上升和下降，不管你是上了一个平台还是下了一个平台，思维和观念是不会无限膨胀的，总有一天会冷静下来，就如同我们的艺术创作一样，最终还是会走向理性的。学生经常会问我一个问题，说“作品是感性重要还是理性重要？”我觉得都很重要，相互交叉影响，但艺术最终还是要回归理性创作。感性在我看来体现最多的还是在于你的想法和灵感，但是在实施的过程中确实是一个越来越理性的过程。有时候觉得在一个人的创作中，创作想法跟实际作品的差距是很大的。如果一个艺术家说自己的作品能够完全表达自己的思想和观念，或者是他已经对自己的作品很满意，我会觉得这个艺术家特别的假，明摆着是在吹嘘、掩盖！
我对于自己现在的生活和创作环境还是比较满足的，因为毕竟在现在这样一个浮躁的社会环境中，能在教书育人的工作之余有一个自己的空间、一个安静的工作室，能够有一些时间来集中地做一些自己喜欢的事情，尽情创作，在睡觉之前能够有自己思考的时间，我已经是很幸福的了。
Li He’s Interview: I pay more attention to the “origin” of sculpture
Interviewer: Wang Lei
“Hong Art”: What are your thoughts on academic art as opposed to professional art?
Li He: From the perspective of the current artistic environment, I think there are two main differences between academic artists and professional artists. One is their different living environments. Compared with professional artists, academic artists have a more stable life, so they don’t like to cause trouble, at least they don’t need to strive for a living. The other one is that an academic artists lives and works in an academic environment, just like the saying goes, “teaching benefits teachers as well as students.” Influenced by the 'original' language of sculpture, academic artists have been pursuing the origin of sculpture. This pursuit is also the thing that we are unwilling to give up since it is traditional and complex in itself.
The category of sculpture is rather vast now, or we can say that the art of sculpture is not as pure as traditional art. Now there are many new elements in sculpture, such as the use and transformation of various media, expression of concepts and the combination between installation and video. The concept of sculpture becomes more and more indefinite. Its definition has been enlarged limitlessly and many artists of other relative fields are also involved in the field of sculpture. However, I think academic artists still have their value. We can’t say that the sculptural arts have become a totally utilitarian or fast-food-style culture and although this idea exerts a large influence in the art academy, we shouldn’t consider it an undesirable phenomenon. In my opinion, art needs to develop and go forward. As for what it will be in the future, nobody can predict. We now all face a very real problem – living, survival, this also being the primary problem that more and more graduates face, because they don’t belong to my generation when if the graduate was moderately capable, he would go to a university to be a teacher. The reality is that after graduation, they must directly face a competitive and ruthless society. They have to create artworks which cater for the market and for society in order to receive financial benefits. Anyhow, different people have different ideas on these problems.
“Hong Art”: What did you do when faced with this situation?
Li: For me, I didn’t need to give up what I liked to do in order to make a living. In other words, I didn’t abandon my pursuit as well as my true nature to satisfy the needs of the market in order to earn more money.
“Hong Art”: What is the trueness of art?
Li: In my opinion, the trueness of art is not to stoop to compromise on anything. It is enough if one can truly represent his artistic ideas. One should show his trueness, get rid of all distracting thoughts and radiate his pureness.
“Hong Art”: Does artists’ creations ever become over-individualized?
Li: Art is destined to be individual. Even though I am a teacher at an art academy, I do not wish all my students’ works to be exactly the same as mine. A teacher should guide and inspire his students. If his students have their own distinctive styles and all are outstanding, then he can be called a first-class teacher.
“Hong Art”: How do you respond to people’s comments on your works?
Li: For example, if someone asked me whether my recent work “The East is Red–Loyalty” series follows the utilitarian tide or not, I would say that, in fact, I wanted to make these works when I was a postgraduate student. However, at that time, seniors such as Wang Guangyi, were doing artworks taking the “Red Guard” as their subjects. In order to avoid the suspicion of copying others, I postponed making this work until my graduation. To be specific, after I had worked in university for many years, I began to do deal with this subject matter because the fever of revolutionary artwork had gradually disappeared. Apart from this, I wanted to present the panoramic vista of the loyalty dance in my own artistic form – sculpture. I am especially interested in this pure dance, which is consistent with the pure, quiet and original things that I pursue.
“Hong Art”: Now many artists are insolent and individual. In your sculptures, how do you deal with this?
Li: The current environment and tide have little influence on me. Artists of my generation, such as Li Zhanyang and Cai Zhisong, are reasonably successful. However, most of these artists work silently. They are a little introversive. I also have this kind of personality when it comes to my art practice. In fact, there is a great gap between artistic creation and an artist’s appearance. Although I seem a little fierce judging from my appearance and I have a hot temper, I am quiet when I create artworks. I don’t like insolent people and gaudy things. If we review the history of sculpture, we can find that those sculptors who can be called real masters are introversive with inward grace. They just occasionally become insolent to express their accumulated feelings.
Frankly speaking, contemporary sculptures in 798 art district are quite varied, including non-professional, professional, real, fake, beautiful and ugly. There are many people who go there who belong to a non-professional audience. It is true that they have different viewpoints from professional sculptors. Most audiences view sculpture from a novel viewpoint. However, according to professional sculptors, no matter how we present a work, we unconsciously seek the very “root” of sculpture. Sculptures can show the sculptors’ natural essence. Therefore, my creation depends on my individual concepts, thinking, bottom line, direction, the pursuit of pureness as well as my true nature.
In society, there are few people who really understand and know how to enjoy sculptures and few people make investigation into sculptural works. Most people are confined by superficial things. From the perspective of the origin of sculpture, we can see that most are superficial and hypocritical.
“Hong Art”: What’s the meaning of the origin of sculpture?
Li: If we must choose some words to describe the origin of sculpture, we can say it is what people pursue and try to understand, that is, it is a real trace of creation. The creation of sculptures depends on individual understanding and perception. It is an artistic state beyond description, aiming at presenting something forcible and powerful. We now pay more attention to the concept and the form of expression, which is similar to the relationship between the modern and the post-modern, whose boundary is not clear. I think art is a rotative system, which in the end returns to its essence and true nature.
“Hong Art”: Do you think that artistic creation will become rational?
Li: Of course. I think the current society follows the principle of the survival of the fittest. No matter who you are, famous or ordinary, you should act according to circumstances and change frequently. No matter whether you go forward or backward, your concepts and ideas can’t expand limitlessly. Finally you calm down and follow reason, just like in artistic creation. My students always ask me this question, “Which is more important? Sense or sensibility?” I think they are both important because they influence each other. However, in the end, art will return to rational creation. Sensibility, depends on one’s ideas and inspiration, but in practice becomes more and more rational. Sometimes artistic ideas differ greatly from their final representation in real, finished artworks. If an artist says his works can fully express his ideas and concepts, or he is rather satisfied with his works, I think he tells a lie. Obviously he is boasting and trying to conceal something.I am satisfied with my current living situation and environment. In this turbulent society, I have my own quiet studio where I can do what I like; I can create to my satisfaction in my spare time; and I have time to meditate before sleep, so I am happy and lucky.
李鶴：彫刻の原本をもっと重視します
王塁
『紅芸術』 学院芸術とプロ芸術についてどう考えていますか？
李鶴：現在の芸術の環境を背景に大学の芸術家とプロの芸術家との違いは二つあると思います。一つとして、プロの芸術家に比べて、大学芸術家は生存環境が比較的に安定し、落ち着いています。少なくとも生計のために苦労しなくて済みます。もう一つ、長い間大学で暮らし、仕事をするため、教える側と学ぶ側がともに成長しています。そして、彫刻の本体の言語を求める影響を受けているため、常に表現技巧として彫刻の本質を追求します。私はこれをいつでも棄てたくないのは、これが比較的に伝統的で、かなり難しい課題であるからです。
今彫刻の範囲がずいぶん拡大され、彫刻はもう伝統的なもののように純粋ではなくなりました。例えば、材料を取り替えたり、観念を入れたり、装置と映像を加えたりする作品などです。彫刻の概念は無限に拡大し、あまりはっきりしていません。それから、芸術の他の分野の人々も次々と彫刻の分野に入って行きますが、何と言っても、大学芸術はそれなりの存在の価値があると思います。彫刻芸術はまったく功利的でファストフード式の文化ではありません。また、美術学院がだんだん其の影響を受けることは必ず悪いことだとも言えません。芸術は結局のところ、前へ進んでいきますので、これからどうなっていくかだれもわかりません。誰でも生存という現実的な問題に直面しなければなりませんが、私たちの時代のように優れている卒業生であれば大学の先生になれると違って、現在卒業してからすぐ生計を立てなければならない大学正はますます多くなっています。これは残酷ですが現実です。作品を作って、商品として市場に売って金にしなければなりません。私は人それぞれの考えている原点が異なっていますので、人によってこれらの問題に対する考え方も違うと思います。
『紅芸術』 あなた自身はどうしますか。
李：私は生計のために自分の好きなことを棄てたくないです。つまり生存のために本当の自分をそっちのけて、自分の理想を背きません。また利益のために市場に合わせる作品を作りたくないです。
『紅芸術』 真の芸術とは何ですか？
李：私は真の芸術とは自分の本当の観念と考えを我慢せず、そのまま伝えることだと思います。本当にあなたのものである以上、雑念を除き、純粋な自分を見せようではないですかと思います。
『紅芸術』 芸術家の作品が個性的過ぎたことはありますか？
李： 芸術とは決まって個性的です。美術学院の先生としての私も教えた生徒がみんな同じで、私の作品のスタイルに従って欲しくないです。生徒たちを導き、啓発することこそ先生の役目です。生徒がそれぞれ自分のスタイルを持ってこそ、その先生が最高と言えるのです。
『紅芸術』： 他の人からあなたの作品に対する評価にどう答えますか？
李： 一つの例を挙げますが、この間のシリーズ作品『東方紅·忠』は大学院の時から作りたかったですが、構想を練り始めた時王広義さんなどの先輩達も「紅衛兵」などという革命を題材とした作品を創作していました。剽窃の疑いを避けるために、ずっと作らなかったです。私は卒業してから、実は教師として働いてその風潮が去るまで何年も待ってから、更に言うと皆が楽しんでから、作りました。私は個人的にこういう純粋な踊りが好きで、そして彫刻で「東方紅」という革命史詩の踊りのすべてを再現することも考えました。というのは、それが自分の求めている純真で、静かで、根本的なものに一致しているからです。
『紅芸術』： 今多くの芸術家は個性を求めていますが、あなたは自分の彫刻創作をどう把握しますか？
李：私にとっては、周りの環境や風潮が大きな影響ではありません。私達のような人々の中で、李占洋さんと蔡志松さんは結構成功していますが、多くの人はやはり控え目で、外見でも他の面でも奥深くて黙々と研究と創作を続けています。外見と作品の雰囲気が非常に違っている芸術家はたくさんいますが、私もそうです。顔が無愛想で気性が荒いようですが、創作している時はとても静かです。私は個性ぶって中身のないものが好きではありません。彫刻の歴史を見れば、大家と言える人は皆控え目で奥深いです。そういう人は自分個性を見せてもたまに心の気持ちを漏らすだけです。
７９８における現代の彫刻を見てみますと、プロ、非プロ、本物、偽物、見た目のきれいなもの、きれいでないもの……プロでない多数の見学者と私たちのような彫刻を作る人は角度が違うに違いありません。多数の見学者は好奇心をもって彫刻を見ています。私達なら作品の見た目はどんなに個性的であっても、おのずから根本的なものを感じるのです。それによって、観念を除いた本質の物が現れて来ます。ですから、私の作品は個人的観念、考えと底に基づき、迷わず純粋とを真の自分を求めています。
今の社会で彫刻を本当に鑑賞できる人があまりにも少ないし、彫刻の研究をしたことのある人も少ないです。多くの人が見た目だけに留まってしまいます。本当の意味の彫刻の本体から見ますと、今たくさんの彫刻作品は評判をよくさせ、多数に迎合するためのもので、誠実ではないです。
『紅芸術』：では、彫刻の本体とは何を言いますか？
李：具体的な言葉で言うなら、彫刻の本体とは観念の理解とものを作ることです。つまり創作する際、真実の痕跡を作ると言うことです。作るという概念はとても広く、あなたの理解、認識と把握によって、彫刻の作り方が決められます。彫刻芸術の中で、こうした彫塑の感覚を言葉で表すのはとても難しいです。それはすなわち、観念、認識と彫塑のいずれの面でもめりはりのあるものです。今観念の伝達と表現の方法がもっと強調されて、現代と後現代芸術のようにその境目はあいまいであるがある程度に存在しています。ここにいたるまで、芸術が一つの循環システムのようで、まためぐって行くと思っています。そして、最後に本質に戻るのです。
『紅芸術』：芸術は最終的に理性的になると思いますか？
李：ええ、勿論です。今は砂をさらっているような時代です。顔を出している者、隠れている者、出た者、出ていない者、皆こうした環境を背景にあちこちに跳ねって、上がったり、下がったりします。舞台に立っても降りても考えや観念が無限に広がっていけなくて、いつか落ち着くようになり、芸術創作のように、最終的には理性的になるものです。私は生徒によく「作品の理性と感性と、どちらが重要ですか？」と聞かれます。私はこの二つの要素は互いに影響し合い、両方とも重要だと思います。でも、芸術はあくまでも理性に戻るのです。感性は考えとインスピレーションを表すものでありますが、実施されることで確かにますます理性的になるのです。実際に作った作品が元の構想と結構違うことがよくあります。もしある芸術家は作品が自分の考えと観念を忠実に表していて、非常に気に入ったと言うなら、その芸術家が誠実でなくて、ただ自慢話をして、本とのことを隠しているだけだということは明らかだと私は思います。
私は今自分の生活の状態と創作環境に結構満足しています。今のような落ち着かない社会の中で、教えること以外にも、自分の空間と静かなアトリエを持っち、好きなことをする時間があり、思いっきり創作ができ、寝る前に何かを考える時間を持つ私は十分幸せです。
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