评MoMA本周展览:颜色 在此正式宣告起义

DanielBuren把博物馆管理员穿的炭灰色夹克换成了彩色镶边背心

《十大色块》占据了整整一面墙壁

    MoMA大厅，由艺术家JimLambie设计的地板用亮色的磁性小条围绕着罗丹的雕塑。DonaldJudd在六楼安放的一座铝绘装置艺术让观众可以通过天窗仰视灰色的高塔。而DanielBuren把博物馆管理员通常穿的炭灰色夹克换成了令人快活的彩色镶边背心。这些作品都是MoMA本周起举办的展览“颜色表：改造颜色，1950年至今”的一部分。

    展览关注的是现代艺术家———他们所使用的颜色不再由调色板混合颜料得出来。正如后抽象派艺术家FrankStella的那句名言：“我尽力让画作看上去和它在颜料罐里一样(纯净、简洁)。”

    这个展览有力地驳斥了某些成见：只有形式主义者才使用颜色，而极简主义与观念艺术只采用黑、白、灰三色。凑巧的是，纽约大都会博物馆正在举办展览“贾斯培尔·琼斯：灰色”。在琼斯用红、黄、蓝三色创作的《错误的开始》旁边，可以看到同样是描绘落叶场景却只用了黑、白、灰三色的“佳节”，这简直可以说是把电影《欢乐谷》里的顺序掉了个儿。

    策展人Temkin女士举办这一展览的灵感很大程度上来自英国艺术家与作家DavidBatchelor。他在2000年出版的《恐色症》一书里通过对小说《黑暗之心》与电影《绿野仙踪》的主题讨论详细回顾了颜色的文化史。Batchelor的摄影系列“寻找关于伦敦的单色画”也参加了本次展览。 

    正如Batchelor在书中所写：“颜色表将颜色从传统理论中分离出来。这宣告了颜色的自治；事实上，颜色表提供了三种各不相同但互有关联的自治形式：每种单色相对于其他颜色的自治；颜色相对于权威颜色理论的自治；颜色相对于阐释颜色的自治。”换言之，我们与歌德的《颜色理论》和约瑟夫·阿尔巴斯《向正方形致敬》系列中颜色之间的错视关系已相去甚远。

    展览的第一部分清晰展现出“颜色自治”的四射光芒。EllsworthKelly从1951年起开始创作一系列作品，尝试从商店买回色纸，切割成正方形，然后随机地组合成各种式样。这些拼贴画的概念最后发展成为现代艺术的杰作《为大墙壁而作的颜色》，64个色块拼成了八英尺见方的惊人作品。

    同样醒目的还有YvesKlein、AndyWarhol和FrankStella的展品。但RobertRauschenberg作于1955年的《画谜》则可以让我们从色彩选择的角度重新分析这幅作者早年的合成画：画上水平地贴了一整条油漆样品纸板；而飞溅的色彩只是来自作者在街上随便买的一罐标签已脱掉的颜料。Rauschenberg回忆道：“那罐颜料是我从城里用10美分买来的，因为没有人说得清楚那是什么颜色。我只是去那儿买上一整罐颜料，而且打算在用完它之前不再买新的。”

    接下来的展品表明欧洲艺术家用自己的方式将颜色从审美的目的中解放了出来。GerhardRichte的作品《十大色块》占据了整整一面墙壁，从商店里买回来的油漆片经过重新排列，用长达31英尺的巨大尺度表现出了庄严肃穆的气氛。

    许多参展艺术家们都把汽车业当作了自己的调色板。JohnChamberlain的小幅绘画使用的颜料是汽车上的亮漆；AlighieroBoetti的单色画用的是意大利都灵菲亚特摩托车的搪瓷；而JanDibbets的摄影作品全都是关于汽车的敞篷。

    如果你看累了那么多颜色，那你可以让眼睛休息，看看墙上LawrenceWeiner写下的红、绿、蓝色的字，或者SolLeWitt的彩色铅笔细线画。你还可以看看那些为观念主义艺术带来浪漫张力的作品。

    展览的最后部分是关于上世纪90年代以来的艺术。潘通色卡和CMG色彩市场集团这样的大公司或研究机构正在不断地拓展我们对颜色的经验。AngelaBulloch让人昏昏欲睡的光盒“普世标准256色：深蓝”反复闪烁着苹果电脑0S9操作系统使用的各种颜色。

    展览中的最新作品是SherrieLevine作于2007年的《Salubra作品第4号》。从某种意义上说这也是本次展览中历史最为悠久的作品：灰色背景上放置了14张单色绘画，所使用的颜色来自于建筑师勒·柯布西埃1931年创作的一列墙纸，而柯布西埃的建筑最为钟情Ripolin牌子的白色油漆。

    Batchelor在《恐色症》里认为，颜色与我们社会结构格格不入。或许是人类无意识的宠爱终于赋予颜色以生命的意义，在这场展览中它终于证明，自己完全可以与人类的视觉和平共处，并且理直气壮地宣告了起义。